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domingo, 9 de noviembre de 2014

Los lenguajes plásticos (pintura) Armando Reverón (ensayo)

INTRODUCCIÓN

En el siguiente trabajo se van a analizar y a definir los elementos del lenguaje plástico de la obra “La Maja Criolla” del artista venezolano Armando Reverón, dicha obra pertenece a su último período llamado “Sepia”.

En cuanto a la vida del artista, se explica cada uno de los momentos más importantes de su vida, ya que estos acontecimientos fueron muy importantes para él y para su obra, porque llegaron a influir en su particular manera de pintar. También se menciona las características de su obra, la técnica que utilizó el pintor para realizar el cuadro, se describe cada detalle de lo que Reverón quiso plasmar en su pintura, específicamente la utilización de muñecas como modelos y no de mujeres, esta característica particular le da un toque de misterio y misticismo al cuadro. Se hace una comparación con la obra de Goya llamada “La Maja Desnuda”, Reverón se inspiró en la posición que esta mujer tenía en ese cuadro, plasmándola a su manera, obteniendo una maja al estilo Reveroriano.

1. En cuanto al lenguaje plástico:

a. Definición:

Pintura: Técnica que usa colores y un utensilio para depositarlos sobre una superficie dada; puede ser mural o de caballete, sobre tabla, tela, cristal, etc., y al fresco, óleo, temple, pastel, acuarela, aguada, aguazo, encáustica, gouache, miniatura, etc. Representación artística de una superficie plana por medio del dibujo, la luz y el color.
– Acuarela. En papel o cartón usando colores disueltos en el agua.
– Aguada. Colores disueltos en agua o en goma muy líquida.
– Aguazo. Aguada realizada sobre lienzo. Los colores suelen ser más fuertes que en la acuarela.
– Encáustica. Los colores se disuelven en cera. Se aplica con un punzón o un pincel caliente.
– Fresco. Los colores son disueltos en agua y son aplicados en el paramento cuando aún está el fresco enlucido.
– Óleo. Los colores van disueltos en aceite secante, anormalmente linaza.

http://www.definicion.org/pintura

La pintura es el arte más sensible a cambios de todo tipo, porque como espacio real puede admitir ciertos elementos extraños, y así otros valores como la textura generalizada por materiales distintos a los pictóricos tradicionales, cuando se incorporan al cuadro. Existe una clara relación entre la pintura y la literatura, porque esto llevará a considerar la validez de una pintura cuando existe la posibilidad de traducirla sin valor, mediante la descripción literaria, pues la pintura es el arte que de manera más clara se presta para ser interpretada en términos literarios. Casi siempre la pintura se adelanta al devenir histórico, para proponer el cambio hacia la nueva situación histórica.

El color es para la pintura el elemento plástico más importante, porque se logra con él los valores pictóricos. El color presenta un carácter eminentemente sensorial. El color está indiscutiblemente ligado a la luz. Los colores cambian o se modifican según las variaciones de intensidad de la fuente luminosa, y en todo su espectro esta intensidad luminosa va desde el blanco, siendo la máxima intensidad, y el negro, la mínima. Pero los colores no se perciben aisladamente, sino asociados unos con otros, cada uno con estrecha relación de dependencia con los que le rodean. El color ha adquirido unos significados y unas funciones concretas que se han traducido en parámetros estilísticos.

Composición: Técnica de distribuir armónicamente los elementos de una obra de arte (volúmenes, pesos, colores, etc.). Los elementos básicos de la composición son la unidad, la variedad, el movimiento, el orden, la simetría, el color, etc.

http://www.definicion.org/composicion

La organización del espacio plástico de la pintura modifica el espacio real y bidimensional del soporte, de forma que el pintor inscribe dentro del espacio real un espacio ficticio. En las distintas etapas de la historia de la pintura nos ofrecen representaciones del espacio pictórico, se alcanza a comprender la forma plástica, toma verdadero sentido en el momento, nosotros los espectadores nos situamos en el tipo de espacio que la obra nos propone. El espacio está ligado a un momento concreto de la civilización, que genera el sistema de normas que determinan el lenguaje espacial utilizado por el pintor. La representación de objetos tridimensionales en el soporte de dos dimensiones, dar especialidad a una superficie bidimensional. La perspectiva determina el carácter científico de un sistema de representación en consonancia con el conocimiento y la sistematización científica del mundo real.

La proporción es un concepto matemático que se ve en las artes plásticas. La voluntad de fijar unas normas técnicas de representación en las artes plásticas ha llevado a estructurar la figuración, según relaciones numéricas entre distintas formas, a partir de una formulación teórica previa. Existen dos tipos de proporciones: las objetivas que son aquellas que responden a la realidad, y las subjetivas o técnicas, que son las que interesan al artista, sirven para traducir plásticamente las proporciones objetivas. Los sistemas de proporciones subjetivas o técnicas pueden desarrollarse bajo tres conceptos teóricos que darán lugar a tres maneras distintas de representación: en primer lugar, aquellos sistemas que intentan representar proporciones objetivas, sin ningún soporte técnico en los modos de representación; en segundo lugar, los que se rigen por las proporciones objetivas; y por último, los que intentar hacer coincidir proporciones técnicas y objetivas.

La línea define la forma de los objetos representados, divide el espacio bidimensional en planos y sugiere la tercera dimensión al separar la forma definida del plano soporte. En una obra pictórica, determina la relación espacial de los objetos. La línea frente al color, se manifiesta de manera más inteligible que sensible, porque responde a un ordenamiento intelectual y es el resultado del poder de organización de la inteligencia.

Línea: La línea es el elemento básico de todo grafismo y uno de los más usados, teniendo tanta importancia en un grafismo como la letra en un texto. Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también la más dinámica y variada. http://www.desarrolloweb.com/articulos/1299.php

La forma más simple en la que el tiempo se encuentra en el valor narrativo de gran parte de las obras pictóricas que incluye el parámetro temporal. Otra manera de sugerir el tiempo con la representación de una pluralidad de escenas con los mismos personajes y en la misma obra. A menudo se recurre a elementos formales para organizar composiciones que generan órdenes de lectura de una pintura. La composición, el color y ciertos recursos formales organizan una secuencia de lectura que introduce el factor tiempo.

La pintura al temple es una técnica pictórica que para resolver los colores utiliza el agua con algún aglutinante, a fin de que el color se adhiera al soporte. En el temple es necesario que alguna sustancia fije y posibilite la adhesión del color al soporte. Estas sustancias son las colas, el huevo, la cera, la leche y la caseína, entre las más utilizadas. El soporte utilizado para la pintura al temple puede ser diverso: desde el mismo muro hasta el metal, el cartón, el lienzo o la madera. La pintura al temple se utiliza como procedimiento usado en la pintura sobre tabla esta técnica designa el proceso de desleír y mezclar colores.

La pintura al óleo es la técnica pictórica que utiliza el aceite como disolvente en los colores. El soporte puede ser de muchos materiales: piedra calcárea, mármol, metal, vidrio, madera o tela. El primer soporte de la pintura al óleo fue la madera. La tabla requiere la preparación que ya hemos descrito en la pintura al temple. El tejido determinará también el resultado final de la pintura, debido al mayor o menor grado de rugosidad que puede presentar. El tipo de textura del revoque y el color que se pueden dar están en función de los resultados finales que se quieran obtener en la obra de arte. Estos revoques pueden realizarse con agua mezclada con colas o bien con el mismo óleo. Son muchos los procedimientos y las fórmulas a que recurren los artistas, y ello contribuye a la definición de sus estilos; así, si se quiere una superficie absorbente, el revoque (la imprimatura) debe realizarse a base de cola; si la superficie no se absorbe, debe aplicarse barniz.

b. Descripción de los elementos formales:

Se observa en “La Maja Criolla” la utilización de líneas curvas y rectas, el cuadro tiene tonalidades de color ocre, sepia y negro, la luz reflejada en la pintura es tenue, están presentes en la obra figuras triangulares, circulares y ovaladas, se usó la técnica de óleo y temple sobre tela.

2. En cuanto a la obra:

a. Biografía del artista: Armando Reverón

En el año 1889, nace el pintor Armando Julio Reverón Travieso, hijo de Julio Reverón y Dolores Travieso, en la parroquia de Santa Rosalía, en Caracas.
1899: Contrae fiebre tiroidea. Juega con muñecas y su carácter se vuelve “triste, melancólico, irascible e insociable”.
1908: Ingresa en la Academia de Bellas Artes el 23 de junio. Pinta cuadros religiosos y naturalezas muertas.
1909: Interviene, junto con sus compañeros de estudios, en una huelga de protesta contra la enseñanza de la Academia de Bellas Artes. Trabaja en Valencia en retratos de su hermana Josefina.
1910: Regresa a Caracas. Se inscribe en la Academia. Cuadros realistas.
1911: Primera exposición en la Academia, con Rafael Monasterios. Expone Playa del Mercado. Regresa graduado de la Academia. Recibe un premio de dibujo. Viaja a España. Se inscribe en la Escuela de Artes y Oficios y Bellas Artes de Barcelona.
1912: Regresa a Venezuela. Pinta el retrato de Enrique Planchart. Vuelve a España. Se inscribe en la Academia de San Fernando, de Madrid.
1913: Fundación del Círculo de Bellas Artes de Caracas. Reverón figura entre sus integrantes, aunque todavía está en España.
1914: Breve viaje a Paris, invitado por el matrimonio Fournier.
1915: A mediados de ese año regresa a Caracas. Pinta Paisaje del Calvario, colina situada al oeste de Caracas.
1916: Ejecuta varias obras en casa de Eduardo Carreño. Tonalidades sombrías. Efectos nocturnos. Disuelto el Círculo de Bellas Artes. Aparecen síntomas de neurosis en Reverón.
1917: Regresa en marzo a Valencia. Vive de dar lecciones de dibujo en la Guaira. Dibuja al carboncillo sobre papel de imprenta.
1918: Durante las fiestas de Carnaval conoce a Juanita Ríos, su modelo y luego su mujer. Vive al lado de Ferdinandov en Punta de Mulatos, cerca de Macuto. Contrae la gripe española. Pinta Juanita, que habrá de fechar meses después en Caracas, como del año 1919.
1919: Reverón pinta La cueva. Vive en la casa de su madre.
1920: Expone con Ferdinandov, Monasterios y Antonio Edmundo Monsanto. Comentario de Enrique Planchart. Pinta La procesión de la Virgen del Valle. Se establece en Macuto. Figura bajo un uvero y Los cocoteros.
1921: Comienza a construir un taller. Pinta en Macuto y en Naiguatá. Pinta Los Baños de Macuto.
Reverón ya había pintado La Trinitaria.
1923: Abandono gradual de todas las influencias anteriores. Periodo de transición.
1924: Últimas obras del periodo azul. Pinta Fiesta en Caraballeda.
1925: Comienzo del periodo blanco. Estudios del Playón.
1930: Tiene incidencia de tipo mental. Producción muy reducida.
1932: Primeras pinturas a base de témperas sobre papel.
1933: Exposición en la Galería Katia Grenoff, en París. Exposición de treinta y tres obras en el Ateneo de Caracas. Pasa por un estado psicológico depresivo.
1934: Finaliza el Periodo Blanco. A finales de ese año tiene recurrencia de tipo mental.
1936: Utiliza nuevamente el lienzo y el óleo. Se inicia el Periodo Sepia. La Academia de Bellas Artes es reformada y convertida en Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas.
1939: Pinta La Maja Criolla.
1940*: Pinta en el puerto de La Guaira. Premio oficial de Pintura en el 1er Salón oficial de Arte Venezolano (fuera de concurso).
1943: Fallece su madre. Pinta el Paisaje con locomotora.
1945: Le trata psiquiátricamente el Dr. J. M. Báez Finol. Comienza un periodo expresionista, caracterizado por la insistente motivación figurativa de su obra. Atmósferas y ambientes fantásticos. Emplea tizas, lápices de colores, pastel y carboncillo sobre cartón y papeles. Pinta Fiesta de la cruz de Mayo.
1947: Pinta La Dama de la Mantilla y Gran desnudo acostado. Primera serie de autorretratos.
1948: Empeora su estado mental. Utiliza tizas y lápices de color. Pinta Autorretrato con Muñecas.
1949: Concluye el Periodo Sepia. Exposición de 25 obras, organizada por Alejandro Otero en el Taller Libre de Arte, Caracas.
1951: Exposición de cincuenta y cinco obras en el Centro Venezolano Americano de Caracas, el 10 de diciembre.
1953: Es internado en el Sanatorio San Jorge, del Doctor Báez Finol, el 24 de octubre. Premio Nacional de Pintura, premio John Boulton y Premio Federico Brandt.
1954: Pinta con tizas de color y carboncillo. Nuevas obras. Fallece el 18 de septiembre, en el sanatorio San Jorge, de Caracas, a los sesenta y cinco años de edad.
1955: Exposición Retrospectiva de Reverón de cuatrocientas obras en el Museo de Bellas Artes de Caracas.
1956: El 5 de enero se abre en Boston una exposición de cuadros del artista en el Museo de Arte Contemporáneo, organizada por la Creole Petroleum Corporation.
1972: Fallece Juanita Reverón el 21 de agosto, y es enterrada, en Tierra de Jugo, hoy Cementerio General del Sur, junto a Armando Reverón. (5 y 6)

*Debe ser tomado en cuenta que algunas ubicaciones cronológicas son tan solo aproximadas, guiadas por el carácter de la técnica que se aprecia en ellas. A partir de 1941, muy escasas veces Reverón fechó sus trabajos.

b. Características:
El expresionismo del lenguaje, del artista su intención anecdótica, el carácter agresivo de los toques, puntos, manchas, frotes, en su extraordinario ritmo e impulso, fueron dando vida a aquellos tres personajes encantados, misteriosos y telúricos que de forma sobreacogadora parecían oficiar algún ritual mágico. La luz, temperada en suaves matizaciones, acentúa el clima de sortilegio que envuelve, sobre todo, a la figura sentada, que con cara de vieja sacerdotisa desnuda parece presidir la desfloración de “La Maja Criolla”. Esta obra tiene un sentido poético contrario a todo lo expresado anteriormente por el artista y se aprecia una muy definida temperatura de tipo erótico. Es la narración de un hecho; es el cuento de un hechizo. No se detiene en el simple deleite del pintor de reproducir la sensual carnosidad del cuerpo femenino. Reverón se adentro en su propio mundo interior, de figuras, de gestos, de climas cromáticos, de misterios y encantaciones, y de la luz que ilumina a través de una cortina la escena intima del placer sensorial. Todo eso está expresado en “La Maja Criolla”, como está dicho también lo que se presiente iba más allá de la expresividad física, mórbida y sensual. Reverón lo expuso de manera magnifica, llena de imaginación y poesía, pues los verdaderos modelos de aquella escena eran las inertes y horribles muñecas que él mismo había construido. (7)

c. Técnica:
Óleo y temple sobre tela, con unas medidas de ciento treinta y cuatro centímetros (134 cms) por ciento setenta y seis centímetros (176 cms), esta obra la pintó Armando Reverón en el año de 1939, se puede acotar que él realizó un boceto de La Maja Criolla en 1933, la pintura pertenece a la Época Sepia del pintor. Reverón combina figuras en atmósferas de misterio y de irrealidad retornando insistentemente sobre su propia imagen. El pintor utiliza muñecas como modelos, a ellas las nombrará Graciela, Isabelita y Niza, en su afán de crearse un mundo fantasioso de enseres y personajes a su antojo. Lo que va a caracterizar el rostro de las muñecas va a hacer la utilización de maquillaje grotesco, de “cocotte”, tomando el ejemplo de su óleo Retrato de Casilda, 1920. En la interpretación psiquiátrica se atribuye a esas muñecas la capacidad de reconstrucción de la etapa feliz de la infancia valenciana junto a Josefina, la sublimación de un amor tenido por incestuoso. (8)

d. Descripción del tema:
Son tres figuras femeninas desnudas, la primera de derecha a izquierda, de abajo hacia arriba, está sentada mirando hacia al frente, tiene el cabello negro lo tiene suelto cae ligeramente sobre sus hombros, sus brazos se posan sobre sus caderas, sus piernas están juntas, la segunda figura está acostada con sus brazos colocados como elemento de apoyo detrás de su cabeza, sus piernas están cerradas, la tercera mujer que está en el cuadro ligeramente puede verse su cabeza si se mira con atención. El lugar donde se encuentran estas tres figuras es un cuarto.

e. Ubicación de las características formales del lenguaje en la obra:
Se puede observar en “La Maja Criolla” la curvatura que delinea la cadera derecha en la figura central (que es la que encuentra acostada) y ese mismo tipo de línea Reverón utilizó para poder dibujar el contorno de las piernas y las rodillas. Las líneas que componen los cabellos de la maja que está sentada son curvilíneas, el cabello de las otras majas si se observa con precisión se puede notar que tienen el cabello corto.
En las pubis de dos de las majas (la que está sentada y la que está acostada) están pintadas con color negro y tienen forma triangular.
Se puede decir que las expresiones de la cara de las majas no trasmiten ningún sentimiento, debido a que las modelos que utilizó Reverón para la elaboración de este cuadro fueron muñecas de trapo que él mismo construyo, también se puede acotar que en ningún momento se observan los pezones de las majas en sus cuerpos ya que no eran mujeres realmente.
El color del cuadro está compuesto por tonalidades ocres, sepia y negras, hay partes de la pintura más oscuras que otras por ejemplo en las piernas de la maja que está sentada para diferenciar el contorno de una pierna y con la otra.
La luz es tenue aunque tiene la misma intensidad en todo el cuadro, Reverón se valió de colores oscuros para acentuar las sombras.

f. Otros detalles que usted considere importante en relación a la valoración de la obra:
“La Maja Criolla” de Armando Reverón se puede comparar con la obra de Goya “La Maja Desnuda”, por la disposición del cuerpo de la figura central del cuadro (la figura que está acostada). Reverón tomó elementos de la maja goyesca para crear su propia maja por ejemplo: el cabello de la figura que se encuentra sentada es muy similar a “La Maja Desnuda”.

http://lysnova.wordpress.com/2013/11/30/los-lenguajes-plasticos-pintura-armando-reveron-ensayo/


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